Antes del éxito mundial que Hayao Miyazaki y su Studio Ghibli consiguieron con películas como “Mi vecino Totoro”, “La princesa Mononoke” o “El viaje de Chihiro”, el autor se dedicó al cómic japonés y efectuó una bella creación que posteriormente también adaptaría al cine. “Nausicaa” se sitúa en un mundo posapocalíptico, escenario común en los relatos venidos de Japón, donde prima la supervivencia. La protagonista, que da título a la obra, es una guerrera que lucha por salvar su imperio al tiempo que acaba con los de imperios oponentes. Esta doble moral está muy bien narrada en el relato, el cual se engloba en condiciones fantásticas y particulares, como que la gente vive en sociedades feudales y existen densos bosques que emiten olores que afectan al comportamiento humano. Insectos gigantes, hongos mortíferos y plantas rebeldes habitan un universo en el que se critica especialmente el trato del ser humano para con la naturaleza. El antropocentrismo, exaltado en la guerra y en la condición política, se ha visto múltiples veces frenado por el poder de la naturaleza. Y Miyazaki nos invita a convivir con ella, respetando toda vida habida y por haber. Una oda a la defensa medioambiental de la mano de un clásico del cine de animación japonés.

Cualquier niño ha tenido la oportunidad de disfrutar, en algún momento de su infancia, de la serie animada de “Dragon Ball”. Como la mayoría de animes japoneses, éstos vienen predecidos por una obra original en forma de cómic. Con esta creación Akira Toriyama pasó a convertirse en el mangaka más famoso a nivel internacional y uno de los más vendidos de todos los tiempos. Son Goku, Gohan, Goten, Krillin, Vegeta y compañía nos acompañan a través de más de 500 capítulos que, a su vez, hacen de esta obra una de la más longevas. Las premisas son las de cualquier aventura fantástica, pero con toques originales. La misión de Goku es encontrar las siete bolas de dragón para poder hacer reaildad cualquier deseo. Goku es el arquetipo de protagonista con un carisma superior al resto, que se nos muestra como un “elegido”. Toriyama no duda en ponerlo en apuros, y de esta forma el carácter de “Dragon Ball” se transforma de un producto infantil a otro más juvenil. Mientras que al principio abunda el humor, más adelante éste da paso a las artes marciales y la violencia, y la lucha entre el bien y el mal. Para todos los que han gozado con “Dragon Ball” durante su infancia, he aquí la obra original.

La literatura infantil japonesa siempre se ha desmarcado de los cánones de la literatura occidental, mostrando historias extravagantes pero a su vez llenas de profundidad, sin caer en el ridículo. Yoko Sano fue una de las mejores exponentes en Japón de la literatura para niños, y “El gato que vivió un millón de vidas” es una muestra de ello. El gato protagonista al principio es la mascota de un rey, quien lo quiere mucho. No obstante, el gato sólo tiene sentimientos de desprecio hacia su dueño. Cuando el gato muere, acaba en manos de un marinero para disfrutar su segunda vida. Y luego un ladrón. Y posteriomente un mago. Y más tarde una niña. No hay dueño al que el gato le coja cariño. Todos los amos sufren la pérdida del gato, pero él no es capaz de tener sentimientos por nadie. Llega un momento en que el gato renace sin dueño, y celebra su libertad. El gato puede así ser deseado por muchas gatas, aunque él acaba enamorándose de una que no le corresponde. Es la primera vez que nuestro protagonista ama a alguien, y le cuesta mucho conquistar a la gata. Al final acban juntos y tienen muchos gatitos, y el gato entenderá el sentido de la vida y la importancia de valorar a los que te aprecian. La gata fallece antes que él, y el gato desconsoladamente como todos los amos habían hecho antes por él. Tanto el texto como las ilustraciones de este libro son una delicia a cargo de Yoko Sano.

La escritora japonesa Keiko Sena destaca por su originalidad y por el poco convencionalismo existente en sus obras, tanto en su narración como en la forma de presentarlas. “El gato globo” se integra dentro de una saga conocida como “Gritando y lloriqueando”, en la cual Sena introduce reflexiones de forma muy sutil y extravagante. En este cuento, el protagonista es un gato que se enfada con facilidad, y que cuando esto sucede se le hincha la cabeza y se empieza a elevar cual globo. El gato se enfurruña, lloriquea, patalea y no es agradable con nadie. Sólo actúa de forma egoísta y no trata bien a nadie. Como consecuencia, el gato empieza a flotar tras hinchársele la cabeza, metáfora de las consecuencias que muchas veces acarrean nuestras acciones. Por ello, hay que pensar bien cuando tomamos una decisión, pues muchas consecuencias podrían derivarse de ella. Como podemos ver, la premisa es delirante y surrealista, muy propia de la literatura japonesa, de la cual Keiko Sena fue una fabulosa representante.

“El viaje de Anno” es un libro cautivador que te atrapa y del que difícilmente puedes escapar. Mitsumasa Anno no emplea texto, y sin embargo es un cuento al que se puede estar pegado durante mucho tiempo. El detallismo del artista japonés no cansa, y no hay ningún tipo de confusión ni caos en las ilustraciones. De hecho, la fascinación que transmite hace que todos quieran encontrar nuevos detalles en los dibujos. Este ilustrador realizó un importante viaje de Japón a Europa, y precisamente en esta historia nos evoca las maravillas que él vio al desembarcar en una tierra tan diferente a la suya. Paisajes medievales, bosques inmensos, contrastes arquitectónicos, restos de sociedades pasadas… Eso es Europa y eso es lo que maravilló a Mitsumasa Anno. Con este libro se puede jugar a descubrir detalles, así como a adivinar qué nos está mostrando el autor. Todo un imprescindible de las obras totalmente ilustradas.

Si alguno de sus personajes reportó éxito comercial y beneficios a Osamu Tezuka éste fue Astroboy. Las historietas de Astroboy transcurren en un futuro en el que humanos y robots conviven de forma desigual. Los humanos siguen sometiendo a los robots, y en ese contexto Astroboy atraviesa momentos muy duros para ganarse el cariño de los demás. Inventado por el Dr. Tenma, Astroboy es posteriormente condenado al olvido hasta que un científico lo descubre en un circo y lo perfecciona. Además, fabrica otros robots para que sean la familia de Astroboy. El diminuto protagonista dispone de múltiples armas y artilugios, pero esto no es lo más destacable de él. Lo que caracteriza a Astroboy es su capacidad de tener sentimientos hacia los demás, siendo éstos además positivos. Astroboy utilizará el amor que siente por cualquier individuo para impartir justicia, proteger a los que lo necesitan y promocionar la paz entre robots y humanos. Como en todas las obras del genio japonés, el protagonista es una extensión de los valores e ideales del eterno Osamu Tezuka.

La sensibilidad que Osamu Tezuka tenía para representar el reino animal queda de manifiesto en “Kimba”. Este clásico del manga japonés se convirtió en la primera serie animada a color, estrenada en 1965. El protagonista es un león que debe sobrevivir sin la ayuda de sus progenitores, ya que su padre muere a manos de un cazador y su madre es capturada para espectáculos circenses. A pesar de los obstáculos que se encuentra en su camino, Kimba no pierde nunca su buen carácter y mantiene las esperanzas de ver convivir en armonía a humanos y el resto de animales. En un ejercicio de solidaridad y sirviendo de ejemplo para muchos, Kimba acaba sacrificándose para salvar la vida de un hombre que era amigo suyo. Muchos han querido ver relaciones entre esta historia y “El rey león” de Disney, pero lo cierto es que Tezuka en su momento también empleó referencias de clásicos como “Bambi”. “Kimba” es actualmente un clásico en Japón, y una historia infantil que transmite valores universales que todo niño debería aprender.

Actualmente las historias creadas en Japón, representadas sobre todo en forma de manga (cómic japonés), son admiradas por su originalidad y profundidad. Lo mismo sucedía ya con “Tren nocturno de la Vía Láctea” en los años 30’. En esta novela de Kenji Miyazawa, ilustrada por Bryn Barnard, se fusionan elementos de la cultura japonesa con rasgos de la sociedad occidental. Y es que, en este sentido, en Japón se estaban produciendo cambios. El protagonista es Giovanni, acompañado de su inseparable amigo Campanella. Mientras una noche se celebra el Festival del Centauro, Giovanni, quien sube a un monte a vislumbrar las estrellas, se descubre a sí mismo montado junto a su amigo en un tren que viaja por la Vía Láctea. La novela está plaga de elementos metafóricos, presentados a lo largo del viaje de los protagonistas. La forma en que dichas metáforas aparecen es deliciosa. Finalmente, sólo quedan en el tren los dos amigos y Campanella desaparece en el cielo. Al día siguiente, Giovanni se entera de que ha estado a punto de morir y que Campanella se sacrificó por él para salvarlo. Todo un canto a la amistad en forma de clásico de la literatura infantil japonesa.

“Metrópolis” es una de las obras más famosas del mangaka Osamu Tezuka, y posiblemente una de las obras cumbres en la historia del cómic japonés. Sin los trabajos de este genial autor este género no se habría desarrollado hasta los niveles que hoy en día conocemos. Fue el primero en dotar de profundidad a las historias que inicialmente parecían para niños. En este caso, Tezuka se inspiró en la homónima película de Fritz Lang, y trata temas tan diversos como los prejuicios, el uso abusivo de la tecnología, el impacto humano sobre el medio ambiente y los propios miedos que pueblan el espíritu del hombre. La historia se centra en una sociedad futurista donde una organización clandestina maneja la radiación solar a su antojo para provocar mutaciones en las células. De esta forma, consiguen crear a un niño con superpoderes llamado Michi. Este niño emplea estos poderes para hacer el bien hasta que descubre el auténtico origen de su propia naturaleza y empieza a crear un ejército de robots para atacar a los humanos. Se trata de una historia posteriormente repetida en muchas otras obras, tanto literarias como de cine.